Um percurso surpreendente, que culmina com a atribuição do Leão de Ouro pelo conjunto de sua obra na Biennale Teatro: Emma Dante acrescenta ao seu percurso artístico, já tão rico em reconhecimentos em Itália e no estrangeiro, um prémio que é também uma consagração indiscutível, no qual é definida como “a mais célebre realizadora italiana de teatro e ópera”, sem esquecer as suas incursões no cinema e na literatura (“Via Castellana Bandiera”, por exemplo, é um filme e um romance).
Na Bienal de Veneza, em junho, Dante apresentará “Os Fantasmas de Basile”, um regresso ao universo imaginativo do escritor napolitano. Conversar com a diretora e autora palermitana é uma experiência: nunca banal e sempre emocionada, suas respostas são ricas em nuances e portadoras de uma poética artística única.
A última obra, «O anjo da lareira» (coprodução ítalo-francesa, com Leonarda Saffi, David Leone, Giuditta Perriera, Ivano Picciallo) estará na Calábria nos próximos dias: dia 13 de fevereiro (21h) no Politeama de Catanzaro e no dia 15 (18h) no Auditório Unical de Rende.
Gostaria de começar com uma pergunta trivial. Teatro, ópera, cinema, literatura: como você encontra tempo para tudo o que faz?
«São todos cruzamentos, ligações, não há uma coisa em particular que tire tempo ou espaço da outra, tudo está interligado. Só fiz três filmes, então não dá para dizer que faço filmes e não sei se farei o quarto. O teatro é a minha maior vocação, a ópera é sempre teatro mas musical, por isso uma coisa não envolve a outra, são histórias que fazem parte do meu percurso como artista e que têm as mesmas sementes. Deles nascem os frutos que me permitem continuar minha pesquisa.”
Ela foi premiada com o Leão de Ouro pelo conjunto de sua obra na Bienal de Teatro de 2026. A motivação sublinha que «conseguiu colocar a Sicília em primeiro plano». Qual você acha que foi sua originalidade em sua viagem de Palermo (à qual dedicou uma trilogia) ao mundo?
«Estou feliz com este reconhecimento, emocionou-me e dá-me forças para continuar. Enche-me de alegria sobretudo porque é um prémio partilhado: com o público, com os atores e atrizes, com os colaboradores que tornaram este sonho possível. A motivação diz muitas coisas lindas sobre mim, uma delas é essa ideia que trouxe a Sicília para o mundo. Tenho orgulho de ter feito isso e foi natural, pois sou uma siciliana filha de Palermo que é uma cidade da arte, então posso me considerar uma filha da arte e, como em todos os filhos da arte, a sombra desta grande mãe está sempre presente. Levei Palermo comigo para todos os lugares. Ainda hoje, que moro em Roma, não saí de Palermo porque está dentro de mim, escreveu o meu teatro em todos estes anos, permitiu-me captar as histórias de marginalização, onde pude encontrar o universo que queria contar, para depois contar ao mundo. No meu teatro, Palermo, ou melhor, Sicília, torna-se universal.”
Antes de sair do assunto da Sicília, você confirma que quer “enfrentar” Pirandello, mesmo que já existam paráfrases de Pirandello em seus «Stage Beasts»?
«Sim, acredito que um artista deve lidar com os seus mestres. Pirandello é um escritor que inovou a linguagem teatral e narrativa. Abriu janelas importantes para o mundo, que ainda hoje são relevantes. Quero explorar dois textos, um ligado ao teatro, “Seis personagens em busca de um autor”, e outro, mais próximo do mundo mágico das aparições, das aparições de que Pirandello sempre fala, “Os gigantes da montanha”.
«O anjo da lareira», o seu espetáculo em digressão, apresenta o feminicídio como um ritual, abordando temas que lhe são caros: a mulher, a família, as reações da sociedade. O teatro tem uma missão nesse sentido?
«É a história de uma mulher morta, que não pode morrer totalmente porque é obrigada a levantar-se todas as manhãs para continuar a ser a engrenagem de uma casa onde se pratica a violência doméstica comum. O homem mata a esposa e depois pede que ela se levante porque não acredita que realmente a matou. A normalização da violência doméstica cotidiana, na minha opinião, é mais assustadora do que o acontecimento extraordinário de um feminicídio. Queria investigar os mecanismos que impulsionam a opressão, a violência, a ferocidade que existe dentro dos lares, nas famílias onde mulheres são mortas a cada minuto. Acredito que o teatro nos ajuda a descobrir e a relembrar o horror que nos rodeia, porque, fechados nas nossas vidas, muitas vezes nos esquecemos dele. Nesse sentido, sim, o teatro pode ter uma missão. Deve ser necessário, caso contrário não serve para nada nem para ninguém, e para nos lembrar das coisas, para cuidar dos outros e para assumir a responsabilidade pelos terríveis acontecimentos que abalam a comunidade”.
Você também fez da condição feminina um tema fundamental na direção de óperas, desde «Carmen» até «Diálogos das Carmelitas» e «Cavalleria rusticana». Demonstrou que este tipo de teatro também tem valores sociais?
«O teatro tem um grande valor social. A condição da mulher é a de quem sofre repressão e comandos dos homens há muitos anos. Não há justiça com as regras do patriarcado. É certo que o teatro, mesmo o lírico, revela esta diferença de nível. A esperança é encontrar um equilíbrio, uma compreensão, uma harmonia que torne livres tanto os homens como as mulheres.”
Ela começou como atriz, por que ela saiu?
«Me formei como atriz na Academia de Artes Dramáticas Silvio D’Amico, em Roma, porque naquela época as mulheres não eram diretoras. Mas eu não estava interessado em atuar: nunca fui um artista memorável nem gostei de estar no palco e atuar. Quando encontrei o meu caminho, o de usar o olhar para servir o teatro, foi para mim um despertar primaveril.”
Numa entrevista você disse que o seu “não é um caminho lógico, mas ligado à loucura”. Por que? Escolha ou necessidade?
«Um artista deve ter sempre uma pitada de loucura, porque se ficar muito pé no chão não consegue falar da vida, sempre equilibrado na loucura. A arte não tem a ver com concretude, mas com caos, com indisciplina, com inadequação. Nesse sentido, sim, acho que sou um pouco maluco. No dia a dia sou quase autista, arrumada, preciso acertar as coisas. No teatro, porém, posso ser incoerente, pelo menos no início da jornada criativa. Aí eu coloco tudo lá também, mas o teatro me permite ser livre para imaginar, para ter visões. Visionário tem a ver com loucura.”
O que significa experimentar no teatro hoje?
«Significa aceitar que um tubo de ensaio exploda na sua cara, no seu laboratório. Porque só errando, tentando fazer experimentos e aceitando a ideia de fracasso você pode fazer pesquisas. Se, em vez disso, você ficar aí sentado fazendo coisas boas e bem feitas, isso é entretenimento.”
Você nunca fala sobre dirigir os atores, mas sobre criar juntos. E com cantores de ópera?
«O caminho que faço com os meus atores e atrizes é obviamente diferente daquele dos cantores de ópera. Porque as necessidades e tensões são diferentes. Na ópera há necessidade de se expressar antes de tudo cantando. Atores e atrizes têm à sua disposição outros elementos como o corpo e a gesticulação. Em ambos os casos procuro fazer sobressair a sua verdade, o seu gesto natural; não fazê-los ficar no palco pendurados para a esquerda e para a direita: eles têm que encontrar onde se sentem confortáveis, apesar do desconforto de estar lá. Porque no final das contas os atores, os cantores, todos aqueles que atuam são super-heróis: estão sempre fazendo testes, esperando o consentimento ou a negação do público. Tenho muito respeito por eles.”
