Sofra, Fedra. E ninguém parece entender porquê: a sua dor é impenetrável. Como aquele rosto gigantesco e inexpressivo (mais um modelo para os frenologistas, os pseudocientistas que mediam crânios, do que um simulacro) que se destaca na cena nua. Nós, porém, sabemos disso: nos contou a própria Afrodite, descendo altivamente da plateia (fria e deslumbrante, em ouro e branco e com fala afiada, a escultural Ilaria Genatiempo). Duas deusas abrem e fecham – como costumam fazer com os destinos dos homens – a segunda das tragédias em cena no Teatro Grego de Siracusa para a 59ª temporada de apresentações clássicas de Inda«Fedra (Hipólito com a coroa)» de Eurípides, dirigido por Paul Curran.
Depois das magniloquências de «Ajax», e sempre sobre o tema da loucura desejada pelos deuses que cega e perde, apesar de tudo, os homens, é a vez de um drama quase psicológico (com a cautela necessária no uso deste termo, por o teatro antigo e antiquíssimo ), relatado inteiramente nas palavras de Eurípides, que a tradução de Nicola Crocetti restaura em toda a sua elegância arejada, literária e uma formidável companhia de atores, muito bem dirigida, alma. Além disso, o poder da palavra é a força motriz na cena nua e cinzenta imaginado por Gary McCann, um lugar em restauração ou construção (mas para nós do Sul vem antes à mente o eterno “inacabado”, onde a construção se desvanece, para sempre, em restauração), um palácio interior onde realmente acontecem duas tragédias: de Fedra e Hipólito, o enteado com quem a rainha está, devido à mania inspirada em Afrodite, perdidamente apaixonada, e que é na verdade o personagem do título original de Eurípides (“Hipólito Coroado”). Por outro lado, Fedra – a verdadeira protagonista – é uma heroína poderosa que nunca deixa de ser despertada e contada, de Eurípides e Sêneca às penas femininas modernas, de Marguerite Yourcenar a Nadia Fusini, porque a qualidade do seu desacordo íntimo põe em causa as forças eternas da psique e o mistério dos relacionamentos.
E há um “dentro” e um “fora”, nos quais Fedra e Hipólito se movem sem (que zombaria) realmente se encontrarem. O espaço de confinamento da casa e do papel, para a mulher na sociedade altamente misógina da Grécia antiga, o espaço da psique que Phaedra (Alessandra Salamida) supera plenamente uma difícil prova: modular a obsessão sem sucumbir, mostrando-nos com força as idas e vindas de seu coração e sua razão entre culpa, exaltação, vergonha) viaja e refaz em busca de uma alça para neutralizar a tempestade imparável do amor, o espaço fechado do mundo feminino: o refrão, às vezes “de boca fechada “, de mulheres de Trezene (excelentes co-estrelas Simonetta Cartia, Giada Lorusso, Elena Polic Greco, Maria Grazia Solano; e depois Valentina Corrao, Aurora Miriam Scala, Maddalena Serratore, Giulia Valentini, Alba Sofia Vella, dirigida por Francesca Della Monica) , em trajes clássicos de criada (os trajes de Gary McCann contaminam épocas e mundos, com predileção por certas manchas de cor, o amarelo ácido do vestido de Phaedra ou as roupas de trabalho excessivamente distintivas dos servidores em uniforme da Defesa Civil, além de bastante incongruentes, pelo menos a certa altura parecerá um telemóvel e a arma de Teseu…), a enfermeira (a perfeita Gaia Aprea conduz a sua descida à verdade com clareza exemplar e atitude carismática) que, com o seu amor imprevidente e a sua vontade de ajudar Fedra, na verdade provoca sua ruína. E um dos momentos mais altos é sem dúvida o intenso diálogo entre Phaedra e a enfermeiraque marca o momento da revelação, e é também exaltação, com o contraponto trágico da dor obsessiva de Fedra, de um tema antigo: a onipotência de eros, “a coisa mais doce e dolorosa ao mesmo tempo”, uma força voraz que ” não pode ser interrompido.”
E à medida que encontramos – como Phaedra encontra – as palavras para dizê-lo, a cena (íntima, exposta) também ganha vida: imagens, luzes, feições são projetadas no rosto impenetrável que assoma no centro do andaime (videodesign Leandro Sumô). A deusa, a mulher, o amor, a morte, a água e o fogo: tudo se revela naquela face de pedra. Tal como a palavra faz no palco, no inexorável mecanismo trágico de Eurípides (bem descrito pelo “dramaturgo” Francesco Morosi).
Talvez a imagem mais forte seja a de um rosto feminino muito intenso, olhos e lábios brilhantes, gigantescos, que domina tudo. Imagem extremamente ressonante – mesmo que certamente não seja a intenção do diretor – no mundo do MeToo e do feminino que remonta a história e pode reescrevê-la.
Uma imagem que contrasta com o (muito famoso) monólogo misógino de Ippolito, habitante do “outro” mundo, o externo e ilimitado dos homens. O jovem Riccardo Livermore anima com um excedente de energia um Hipólito entusiasmado e atlético, que Curran nos mostra com uma jaqueta pop glitter à frente de uma multidão hippie, entre Hair e Woodstock (o que é verdadeiramente bizarro, para os adoradores de Artemis que fazem absoluto a castidade e o desprezo por eros são o seu programa existencial, a ponto de despertar a ira de Afrodite…). A música de Matthew Barnes, com arranjo de Ernani Maletta, inicialmente ecoa a onda psicodélica dos anos 60, e depois se condensa em “outros” sons, dissonâncias e distorções, à medida que o drama avança e toda a alegria desaparece.
Todo “de fora”, Ippolito, dedicado aos esportes viris e às amizades castas, sem se importar com as vozes internas e os apelos de eros. E quando o bilhete da suicida Fedra o acusar de um crime que nunca cometeu, a sua tragédia começará. Porque seu pai Teseo (Alessandro Albertin apoia admiravelmente, com força e variedade de tons, sua teimosa cegueira e depois a dor da revelação) irá condená-lo sem apelo, para depois mudar de ideia, em uma cena muito intensa, sobre o menino leito de morte, atingido por Poseidon (aquele que negou o corpo e suas alegrias se transforma em carne ensanguentada) e também abandonado por sua deusa “amiga”, a adorada Ártemis (a quem Giovanna Di Rauso dá surdez desdenhosa ao sentimento humano). Uma cena de pai, poderíamos dizer.
Os deuses traem, condenam, viram as costas. Temos apenas nossos sentimentos para sermos melhores que eles.
Também fazem parte do elenco os excelentes Sergio Mancinelli (o criado) e Marcello Gravina (o mensageiro que narra com vivacidade o acidente fatal de Ippolito), e os meninos da Academia de Arte do Drama Antigo, uma certeza sólida. Continua até 28 de junho, alternando com “Aiace” e depois “Miles Gloriosus”.
