Há duas das muitas frases significativas deixadas por Man Ray nos seus escritos, que mais do que as outras parecem enunciar um credo artístico ao qual o fotógrafo americano (mas também pintor, escultor e mais) (Filadélfia, 1890 – Paris, 1976) sempre aderiu. A primeira é: «pinto o que não pode ser fotografado e fotografo o que não quero pintar»; a segunda é: «Procuro simplesmente ser o mais livre possível na minha forma de trabalhar, na escolha do tema. Ninguém pode impor regras ou me orientar. Podem me criticar depois, mas é tarde demais, o trabalho está feito. Eu provei a liberdade.”
Acima de tudo, deve ser vista desta forma, como um hino à liberdade artística, a retrospectiva que o Palazzo Reale de Milão acolhe até 11 de janeiro. Intitulada “Man Ray. Formas de luz”, a exposição é promovida pela Câmara Municipal de Milão – Cultura, é produzida por Palazzo Reale e Silvana Editoriale e tem curadoria de Pierre-Yves Butzbach e Robert Rocca: trezentas obras entre fotografias antigas, desenhos, litografias, objetos e documentos.
O itinerário expositivo abrange toda a parábola criativa e humana do artista. Começamos com os “Autorretratos”, em que Man Ray gosta de questionar a sua própria identidade. A secção seguinte é fundamental, “Muse”, dedicada às mulheres que lhe foram próximas na vida e diante das lentes (de Kiki à sua esposa Juliet Browner), seguida logicamente de “Nude”, tratada, como dizem os curadores, como «formas abstratas, fragmentos simbólicos e composições de luz».
“Rayografie” reúne exemplos da técnica em que os objetos são gravados diretamente na placa, e de outra, as chamadas solarizações, que falam de sua constante fome de pesquisa. “Moda”, então, confirma sua capacidade de ser ele mesmo mesmo quando trabalhava por encomenda (com Coco Chanel e Elsa Schiaparelli, entre outros), graças à qualidade de ir sempre além do que ditava sua contemporaneidade. Seguem-se os “Múltiplos”, juntamente com os “ready-mades”, que falam da sua adesão ao dadaísmo e da sua absoluta indiferença face ao conceito de singularidade da obra de arte. Por fim, o “Cinema”, ao qual se dedicou unicamente visando a pura experimentação, ainda que a considerasse menor face ao interesse que tinha por todas as outras artes.
Man Ray (sob o pseudónimo “Ray of Light” substituiu o seu verdadeiro nome Emmanuel Radnitsky, nascido numa família judia de origem russa), trabalhando nos EUA, mas sobretudo em Paris, foi portanto um grande investigador, capaz de criar a sua própria iconografia pessoal em tudo o que enfrentou e viveu, embora muitas vezes partindo do classicismo ou de artistas famosos (além de Ingres, que ele próprio citou, vejo frequentemente referências, nos nus, às esculturas de Canova e à sua harmonia). Fotografias a preto e branco como “Le Violon d’Ingres”, “Noire et blanche” e “Larmes” (Lágrimas) são parte integrante do nosso imaginário colectivo e um dos muitos pontos de chegada, consequência da intensa associação com a vanguarda europeia e com figuras como Marcel Duchamp e André Breton, entre muitos outros.
Mas também aconteceu que um fotógrafo “rebelde” como Man Ray nos deixou “acontro” a demonstração dinâmica de como as histórias humanas se cruzam com a História, graças a uma admirável série de retratos de figuras fundamentais do século passado. Como é possível que o artista que, junto com Duchamp, acreditava que “a ideia de uma obra prevalece sobre a própria obra”, se dedicasse aos retratos, que de alguma forma deveriam ser uma representação objetiva? Deixando de lado as deformações a que era propenso em seus muitos autorretratos, o encontro com celebridades que concorriam para serem fotografados por ele (um quarto de hotel havia sido transformado em estúdio), permitiu a Man Ray – que nunca quis usar retoques – aprofundar-se na ideia de um retrato psicológico (desculpem-me a ousadia, mas acredito que entre estes retratos e os pintados por Antonello da Messina há muitos pontos em comum).
A lista de personagens que encontramos na exposição é impressionante: além dos já citados Duchamp e Breton, estão Paul Éluard, Francis Picabia, Giorgio De Chirico, Salvador Dalì, Pablo Picasso, Henri Matisse, Ernest Hemingway, Jean Cocteau, Virginia Woolf, Gertrude Stein, Igor Stravinsky, James Joyce e muitos outros. «O olhar do grande caçador – comentou Breton -, a paciência, o sentido do momento pateticamente exato em que, na expressão de um rosto, se cria o equilíbrio entre o sonho e a ação».
Mas são as mulheres que continuam a ser as rainhas das lentes de Man Ray, um símbolo do possível e do impossível, muitas vezes a imagem de um pensamento, por vezes de um sonho ou mesmo de uma visão intelectual e emocional. Seu ateliê parisiense foi descrito (por Patrick Waldberg) como um “arsenal da imaginação”, onde em um pequeno espaço havia uma amostra real e imaginativa do desnecessário: tela florestal, espiral sem fim, cabideiro em forma de árvore, metrônomo ciclópico, ferro com pregos, tabuleiro de xadrez magnético, baguete de pão “coberta de esmalte da cor do céu”. No entanto, tudo o que ele criou foi “sacrificado” ao conceito principal, o da luz. «Tudo – escreveu ele – pode ser transformado, deformado, eliminado pela luz. A sua flexibilidade é exactamente a de um pincel.” É por isso que na realidade Man Ray nunca terminou de “pintar”: apontar a lente, guiado pelos traços de luz.
